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[/color][size=5][color=red]55.Dream Pop（梦幻流行）[/color][/size]
[size=3][color=blue]        梦幻流行是另类金属的一个流派，它依音速处理音乐质地来表达悦耳的音调。梦幻流行尝使用气声和充满回音的吉他效果和电子合成器来加以处理效果的。尽管the Cocteau Twins通过他们模糊的声音和颓靡的音景常被看作是梦幻流行的领导者，但是这个流派在形式上还有比缓慢电子结构更为多的的差异。梦幻流行也包含Galaxie 500的the post-Velvet Underground 吉他摇滚，以及My Bloody Valentine的loud, shimmering feedback。他们都因依音速处理音乐质地，表演手法与唱腔的相同形式而归为一类。[/color][/size]

[size=4][color=Green]具有该风格的乐队/艺人名单：[/color][/size]

[align=center][size=5][color=Purple]Acetone [/color][/size][/align]
[align=center][img]http://www.chinayq.com/Files/aaaaaa/20070407135615563.jpg[/img][/align]
[size=3][color=blue]        头一次接触这支乐队，是在一个下雨的冬夜，在土豆家翻他们的杂乱无比的CD册，看见一张没有封皮、土黄色的打口——ACETONE？没听说过，可上面那 Vernon Yard 唱片公司的狼头标志（还是狗头？） 吸引了我，记得我最初买LOW的打口磁带的时候，那老板（也许是我见识过的最好的卖打口的了）就告诉我 Vernon Yard 这唱片公司不错。于是，在寒冷幽暗之中，偌大的房间里响起了清醇的 Folk +Blues 的 ACETONE，我坐在土豆的沙滩椅上，感觉到淳朴而清新的空气在流动，仿佛回到了“如果你是朝露，我愿是那小草，如果你是那片云，我愿是那小雨”这样的校园民谣流行的八十年代。
现时的唱片工业是如此发达，音乐的分类也越来越复杂，听众的口味不断改变，今天流行“另类”，明天时兴“电子”，不少乐队有意地使自己的作品打上种种特定的烙印，以迎合听众的需要。而来自洛杉矶的 ACETONE 则是一支不迎合潮流口味的乐队，他们只凭自己的对音乐的个人喜好而创作。
1987年，乐队的三名成员走到了一起，主唱/贝司手：Richie Lee，当时在加州一所艺术学校学习油画；吉他手：Mark Lightcap，同一所学校的作曲系学生兼大号手；鼓手：Steve Hadley，是 Lee 在中学时认识的。他们只是出于对音乐的爱好，聚在一起自娱自乐地演奏和创作，在这样的轻松随便的过程中渐渐地加深了对彼此的个性和音乐口味的了解。同时，随着他们的音乐理念和技巧的成熟，也渐渐地形成了自己的音乐风格。一切都顺其自然，随心所欲，他们从不把自己固定在一个音乐模式中。就这样，ACETONE，以其亲切而容易引起共鸣的音乐，默默地抵抗着繁杂而无意义的音乐分类。Lee解释说：“语言使你的作品带有某种特色，人们大概就凭这个将你的音乐归到某个分类中去。可是，艺术是跟语言无关的，而是利用语言来达到更高的境界。假如你的音乐已被定性为某一类，听众就会想，‘哦，这种类型的音乐就是这样的啊。’如此一来，音乐就不再是一种体验了。其实这些分类跟音乐本身一点关系都没有。”Lee的这番话，或多或少流露出他的视觉艺术家的气质。
ACETONE 的首张专辑，《Cindy》，发行于1993年，包含了朗朗上口的流行调子、车库摇滚、地下丝绒式的粗糙失真轰鸣，显示了乐队音乐风格的多样化。而1994年发行的 EP，《 I Guess I Would》，则转向乡村摇滚风格，总共七首歌，翻唱了The Flying Burrito rothers乐队、John Prine、Johnny Horton等乡谣前辈的作品。1996年，乐队的第二张专辑，《 If You Only Knew》，更充分体现了乐队的渐趋成熟、生动丰富的音乐技巧，整张专辑就是非常自然的个人情感流露。
从1997年发行的第三张专辑《Acetone》起，ACETONE 转投到 Vapor唱片公司旗下。这是该乐队全情投入创作出的又一颗结晶，延续了乐队一贯坚持的不断向前发展、不断重新自我定向的努力。主唱 Lee 说：“我们就好象建筑工人一样，先把房子的各个部分砌好，完了再把它们拼到一起，从而完成整座房屋的架构。在这张专辑里，我们更强调现场录音。”在录音过程中，尽量使一切保持简洁，结果却使《Acetone》获得了既纯净又不失多元化的出色效果。在<All The Time>一曲中，展现了扑朔迷离的画面，正如 Lee 唱道：“What I'm saying / How I wish it were clear.” 另一首歌，<Shobud>，ACETONE 把 Twin Peaks 式的抽象布鲁斯融入歌曲中，创造出神秘的和音。而<All You Know>听起来显得懒洋洋、无精打采的，展现了生活的另一面。ACETONE 的音乐，混合着草根布鲁斯和弦，生动圆润的音色，内省而诚挚的歌词，自然地散发着美的光泽，为乐队赢得了同行们的尊敬，例如 Garbage，The Verve，Oasis，Mazzy Star等乐队，都曾邀请ACETONE 一起巡回演出。
在 ACETONE 看来，音符、旋律、歌词、和声应该在不受限制的空间中和谐地碰撞。他们的音乐，是在对音乐本身的思辩的追求中不断成熟的。有一点在他们看来至关重要，那就是，摇滚乐主要地是一种体验.这也许值得我们这些听音乐的人借鉴。[/color][/size]
[size=5][color=Red]推荐歌曲[/color][/size][URL=http://www.neizai.com/slowghost/Acetone-Germs.mp3]Germs（点击下载）[/URL]

[size=5][color=red]56.East Coast Rap（东海岸说唱） [/color][/size]
[size=3][color=blue]        在 hip-hop 时代到来之前，几乎所有的说唱都是东海岸说唱。说唱界最著名的早期艺人都是在纽约市发展起来的，例如一些旧学院派的传奇式人物：DJ Kool Herc, Grandmaster Flash, Afrika Bambaataa, the Sugarhill Gang, Kurtis Blow, 以及 Run-D.M.C. 80年代的时候，说唱艺术有了进一步的发展，形式更加多样，并从纽约扩散到了更多其它的地区；然而东海岸说唱在80年代的大部分时候，都占着主流的位置。尽管东海岸说唱在音乐上并不完全一致，但到80年代中后期的时候，他们都越发趋向于使用激进的鼓点和对取样进行拼贴，并且很多MC都具有高超的作词本领。换句话说，虽然有一些例外，但东岸说唱逐渐成为了一种更具有可听性的音乐形式而不仅仅适用于舞池；它变得越发精细和复杂，并作为一种值得尊敬的艺术形式成为了一个新的流派。东海岸说唱黄金时期的典型艺人包括 Eric B. & Rakim 和 Boogie Down Productions ，他们都有比 EPMD 和 Public Enemy 更强烈的击打式的声音，同时也具有建立在旧学院派基础上的高超的作词技巧。同样以东海岸说唱为基础的还有 Native Tongues ,这是由 Afrika Bambaataa 发起的一个以黑人歌手为中心的向上的组合；还有 De La Soul, A Tribe Called Quest, the Jungle Brothers 以及大部分对80年代后期 hip-hop 形成具有重要影响的纽约乐队，他们都更多的属于一种折衷的音乐形式，而不是某个既成的音乐流派。1989年时 N.W.A.发行了专辑 Straight Outta Compton ，从此西海岸说唱在它研磨的唱腔与市井的内容之上又加入了更强硬的嗓音，再加上它保持了其原有的作为聚会音乐的基本功能，这一切都使它在90年代成为 hip-hop 的主要力量。另外，南方说唱的兴起也使得东海岸说唱无法再保有其原先的音乐地位，但它也没有在90年代完全消失。除了 Puff Daddy 着 Bad Boy 的招牌占据了极其有利的地势并在流行乐坛也极负盛名以外，东海岸说唱还影响了一批风格各异且获得高度评价的艺人，包括词作鉴赏家 Nas、电子化的 Fugees and Roots、以及受其影响极深的硬核组合 Wu-Tang Clan.[/color][/size]

[size=4][color=Green]具有该风格的乐队/艺人名单： [/color][/size]

[align=center][size=5][color=Purple]Jay-Z[/color][/size][/align]
[align=center][attach]216800[/attach][/align]
[size=3][color=blue]      Jay-Z自从1996年出道以来迅速的就成为了整个东海岸说唱的统帅级人物，他不仅是一位最顶尖的说唱歌手同时还是最出色的音乐制作人之一，在流行音乐界拥有很高的地位。除此以外，Jay-Z所经营的Roc-A-Fella唱片公司，在整个黑人音乐市场中也是商业成绩最突出的厂牌之一，对于整个说唱音乐的市场有着非常重要的影响力。Jay-Z的每一张专辑销量都超过白金，而在进入新世纪以后，随着音乐上不断的取得新成就，以及音乐影响力的增强，Jay-Z的触角也从说唱音乐本身渐渐移向其他音乐上，比如加大与东海岸以外的南方说唱和西海岸说唱之间的合作以及在R&B音乐的制作等方面，为推动说唱音乐以及整个流行音乐都做出了不小的贡献。 Jay-Z原名Shawn Carter，又名Sean Carter，于1970年12月4日出生在美国纽约的布鲁克林区，和在这里出生的其他说唱歌星一样，Shawn Carter的父亲在他很小的时候就离开了他和他的母亲Gloria Carter，这段艰苦的岁月是Shawn Carter印象最为深刻的。少年的Shawn Carter独自撑起了他和母亲的生活，不久他就成了街头一名普通的黑人说唱歌手，最初的时候他为自己取了一个源自爵士乐的名字“Jazzy”，不久之后简化为Jay-Z。当一名说唱歌手并不能挣足够的钱，为了生存，Jay-Z还必须和那里其他的年轻人一样从事一些并不光明的行为，不过更多的时候Jay-Z还是靠在一些小录音室自己录制一些磁带然后拿出去卖来赚钱糊口。在Jay-Z的说唱才华渐渐被附近的人所了解之后，Jay-Z开始在当地一些小的说唱组合和一些歌手那里打短工，在这里他有机会接触到说唱音乐的制作等工作，而这些唱片录制工业也激起了Jay-Z的野心，Jay-Z并没有像其他歌手一样和大的唱片公司签约，而是和两个朋友Damon Dash和Kareem "Biggs" Burke一起创办了Roc-A-Fella唱片公司，他把自己的唱片公司依附于Def Jam公司(当时还叫做Priority Records)的旗下，并且开始制作和发行音乐专辑。 1996年，Jay-Z录制并发行了自己的第一张个人专辑，同时也是Roc-A-Fella唱片公司的第一张专辑《Reasonable Doubt》，这张发行自东西海岸说唱音乐争斗最残酷时期的帮匪说唱专辑非常令人惊奇，多首单曲成为排行榜主打，到了如今他也被公认是Jay-Z在上个世纪最杰出的专辑，同时也成为了帮匪说唱专辑的经典作品。《Reasonable Doubt》的初获成功也为Jay-Z的下一张专辑以及Roc-A-Fella唱片公司的发展开了一个好头。1997年，Jay-Z的第二张专辑《In My Lifetime, Vol. 1》发行，富有商业头脑的Jay-Z在这张专辑中为了吸引更多的听众以及扩大他的知名度和唱片公司的影响力，把专辑的音乐风格从偏激的帮匪说唱转变为了更加易于各方面听众接受的流行说唱，同时在专辑中邀请了包括吹牛老爹Sean "Puffy" Combs在内的多位大牌歌星助阵，而这些措施效果显著，不仅拥有多首单曲打榜，而且这张专辑的销量也迅速超过了《Reasonable Doubt》，杀进了Billboard 200排行榜的前三名，Jay-Z已经成为了一名一流的说唱歌星。 1998年9月29日，Jay-Z的第三张个人专辑《Vol. 2: Hard Knock Life》正式发行，这张纯粹的流行音乐专辑的14首单曲中近半数成为排行榜热门，其中的一些在现在已经成为了Jay-Z的标志性作品，比如《Hard Knock Life (Ghetto Anthem)》，Jay-Z借此更进一步的扩大了自己的领地，同时这张专辑也在发行后成为了Billboard 200排行榜的冠军，这也是Jay-Z第一张冠军专辑，已经完全转变成为了流行说唱歌手的Jay-Z在1998年度第41届格莱美颁奖典礼上获得了到目前为止他个人唯一的一尊格莱美奖杯，专辑《Vol. 2: Hard Knock Life》获得了年度最佳说唱专辑大奖(Best Rap Album)，Jay-Z成为了被各方面都认可的最顶尖的说唱明星。 1999年，Jay-Z发行了第四张个人专辑，这张专辑是依旧讲述自己的故事的《Vol. 3: Life and Times of S. Carter》。此时的Jay-Z已经普遍的采用和其他歌星合作演唱的方式来表演歌曲，这张专辑中几乎每一首歌都是由Jay-Z和其他歌星共同演唱的，在商业上也依旧保持着自己的辉煌，而这种大面积和其他歌星合作的做法也使Roc-A-Fella唱片公司渐渐成为了说唱工业的一个重要的组成部分。2000年，Jay-Z发行了第五张个人专辑《Dynasty Roc la Familia》，除了唱片本身依旧保持着很高的商业成绩以外，已经在业界名声鹊起的Roc-A-Fella唱片公司开始在这张专辑中逐渐的推出自己公司的一些新人来和Jay-Z一起演唱歌曲。也许是因为确实缺乏大牌歌星的加盟，因此在销量上比以往出现了一些下降。不过在这张专辑里，Jay-Z开始和一些超级音乐制作人展开合作，比如大名鼎鼎的the Neptunes和Kayne West等，这在一定程度上也为Jay-Z在制作人方向的发展期了一定的推动作用。 2001年9月18日，Jay-Z在新世纪最优秀的专辑《The Blueprint》正式发行，这张专辑中颇有些令人以外的没有邀请大牌的明星参与演唱，只是和Eminem一起演唱了《Renagade》，这张专辑也成为了自首张专辑《Reasonable Doubt》之后，最为Jay-Z个人化的作品，因此也被认为是Jay-Z自《Reasonable Doubt》之后最经典的专辑。巨大的销量和影响以及专辑中的多首优秀单曲使这张专辑更强有力的巩固了Jay-Z在说唱乐坛的地位，Jay-Z与吹牛老爹Sean "Puffy" Combs等人一起成为了说唱工业的代表性人物。
但是这张专辑中的一些单曲引起了些麻烦，由于在此前演唱会中Jay-Z利用一些单曲进行了针对其他歌手的讽刺而引起了旷日持久的口水战，并且一直延续到了专辑发行之后的很长时间。但是在这之后Jay-Z又开始了和其他歌手的合作，他首先与the Roots合作在2001年稍晚的时候发行了MTV台的不插电现场专辑《Unplugged》又与另一名说唱歌星R. Kelly在2002年联合发行了专辑《Best of Both Worlds》。 2002年，Jay-Z发行了与其他明星合作的双CD专辑《The Blueprint? The Gift & the Curse》，以及在2003年上半年发行这张专辑的单CD版本《Blueprint 2.1》虽然这两张专辑作为2001年的《The Blueprint》的续集作品在商业上依旧是相当的火爆，并且在其中仍然包括了相当大量的明星，但是在歌迷和评论家眼中他们却都没有达到《The Blueprint》的高度。2003年11月14日，Jay-Z发行了号称是最后一张专辑的第十张专辑《The Black Album》。 说这张专辑是Jay-Z音乐生涯的最后一张个人专辑你信么？可是唱片宣传的时候确实是这么说的，但是不论怎样，这样的噱头让这张专辑在发行短短四天之后就卖出了46万3千张，成为了Jay-Z的第六张冠军专辑，这一销量甚至比他的经典专辑《The Blueprint》在2001年9月份的成绩还要高出一点，不过对于Jay-Z这样的说唱歌手来说，即便没有这样的宣传也照样会卖出这样的成绩出来。 假如这真是Jay-Z的最后一张专辑的话，那么对于歌迷来说也完全没有什么遗憾了，因为这的确是一张非常出色的专辑。在这张专辑中，Jay-Z没有邀请任何其他歌手与他合作，所以，从专辑的制作角度来讲，这张专辑比《The Blueprint》甚至还要能体现出Jay-Z的个人风格。虽然没有大牌歌星合唱，但是却拥有超豪华的制作阵容，单曲的几名制作人分别是Timbaland，Eminem，The Neptunes，Kanye West，Just Blaze这些声名显赫的金牌制作人。 音乐方面，整张专辑都营造出了告别的氛围，《December 4th》是Jay-Z献给他的母亲的歌曲，把这首深情的单曲作为专辑的第一支单曲，不免会让人有所联想，这可能的确是Jay-Z的告别专辑了，而更让人体会深刻的则是在《Moment of Clarity》中，Jay-Z居然回忆了他的父亲，并且在单曲最后还表示出了原谅已经去世的父亲的想法，这足以让人深陷到这张专辑的告别氛围中去，值得一提的是《Moment of Clarity》的制作人和混音是和Jay-Z有着相似经历的Eminem。整张专辑的最后一首歌名字是“My 1st Song(我的第一首歌)”，看到他就会让人莫名的产生出一中离别时的伤感。这张专辑也许不是Jay-Z最经典的专辑，但也绝对是前三位的，以这张专辑作为Jay-Z的谢幕大作也足以答谢歌迷了，不过可能绝大多数的歌迷都在等待Jay-Z的加演曲目。 [/color][/size]
[size=5][color=Red]推荐歌曲：[/color][/size][URL=http://www.csba.com.cn/music/music/jay_z/Chapter.One.-.Greatest.Hits/wma/14.WMA]dead presidents ii （点击下载）[/URL]

[size=5][color=red]57.Electronica（电子）[/color][/size]
[size=3][color=blue]        一个合适的模糊术语用来形容电子舞曲很快转向了听从而代替了严格意义上的跳舞的新新事物便是电子，它最初是被用于形容一系列像Juan Atkins 和Underground Resistance 那样在欧洲艺术家旁，已经获得了很多来自Motor Citys未来派对技术上的预见的编辑聚集于新颖音乐材料的人。这个词的概念随后被来自美国的压力所调整，在美国，对于任何一个年轻的乐手来说使用电子乐器或是设备都是轻而易举的事情，除此之外电子还描述以技术为基础的音乐，它们可适用于在家庭内听也同样适用于舞池（自从许多电子乐手兼当俱乐部的DJs）[/color][/size]

[size=4][color=Green]具有该风格的乐队/艺人名单： [/color][/size]

[align=center][size=5][color=Purple]Alec Empire[/color][/size][/align]
[align=center][size=5][color=Red]见15楼[/color][/size][/align]

[size=5][color=red]58.Ethnic Fusion（Ethnic Fusion）[/color][/size]
[size=3][color=blue]       Ethnic Fusion没有被world fusion（综合了爵士和世界音乐）或是worldbeat（可能起源于任何一组世界音乐，经常被西方流行所影响）。取而代替的是，Ethnic Fusion一般来说起源于新时代音乐的声音和观点，试图把传统Ethnic Folk音乐合并进入当代的电子音乐。常常，虽然不是始终，它的目标是在Western技术中和更多强调自然与人性为导向的文化中去寻找创造协调的融合的方法。如Tony Scott和Don Cherry这样的爵士乐手是最早将世界音乐带有Western形式的人之一，并且如Terry Riley和Philip Glass这样最低纲领主义者的作曲家有时会利用non—Western的结构。这些试验形成了早期的Ethnic Fusion，最显著的是Jon Hassell的音乐，他帮助在70年代末期和80年代早期通过他的独立工作和与氛围先驱Brian Eno的协作工作共同建立这种风格。很快，Ethnic Fusion就成为了同时代喜欢刺激玩乐器人们的宠儿，他们在新的节奏或non-Western上用它来拓宽他们的声音；其他的人也很自然的加入独特的Ethnci音乐并为它用当代的乐器和新时代的敏感来装饰。后来的音乐家包括了Clanned （凯尔特乡村音乐），Ottmar Liebert（弗拉门科民歌），Kitaro （民间调）和Carlos Nakai（美国本土长笛音乐）。在90年代早期，Ethnic Fusion乐手像Enigma, Dead Can Dance, 和Deep Forest发现了更宽的被介绍了关于混合着夜总会里快速跳舞节拍的听众群，这种音乐形式可以表示任何从中世纪European音乐到关于Afican pygmies的实验领域。但是即使这里有很少商业的突破，Ethnic Fusion仍能在90年代维持一个流行的地位。[/color][/size]

[size=4][color=Green]具有该风格的乐队/艺人名单：[/color][/size]

[align=center][size=5][color=Purple]Dead Can Dance  [/color][/size][/align]
[align=center][attach]217125[/attach][/align]
[size=3][color=blue]        英国另类音乐界里为人称道的隐士。这是来自澳洲的双人组乐团，汲收了许多欧陆音乐因子（宗教音乐、古典音乐、民族音乐及现代的摇滚、叛客音乐等），在Bredan Perry及Lisa Gerrard精巧的编排后，呈现了另类乐界新古典主义的第一传人。在他们的音乐中，你可能惊讶地发现诵诗班的后叛客或带有强烈电子节奏的西班牙民俗舞蹈音乐。如果，另类音乐中要找个乐团来定义新古典主义乐派的话，则非Dead Can Dance莫属。
Can Dance的两位成员Brendan Perry和Lisa Gerrard都是爱尔兰後裔，1980年他们在澳洲墨尔本相遇後，共同开发并分享著彼此对音乐、文学和视觉艺术的热爱，第一首作品"Fast Forward"被澳洲的一家小公司收录在一张圣诞节合辑里，算是D.C.D.初试啼声的佳作。1982年，D.C.D.前往伦敦，寻求澳洲市场外的成功机会，经过一年的摸索，终於被4AD相中签约，在隔年3月为他们出版首张同名专辑，纪录D.C.D.成军4年间的心血创作...[/color][/size]
[size=5][color=Red]推荐歌曲：[/color][/size][URL=http://www.duke.ru/mp3/dead_can_dance__the_host_of_seraphim.mp3]The host of seraphim（点击下载）[/URL]

[size=5][color=red]59.Euro-Pop（欧洲流行）[/color][/size]
[size=3][color=blue]        欧洲流行这个名词是和故意微弱，无助，平凡创作的流行音乐风格有关联的；正如其名，大部分（虽然不是所有）都是起源于欧洲大陆，尽管偶然也由英国或美国的音乐被这种风格影响。ABBA就是Euro-Pop乐队的代表，假装不费力气，用快活的舞曲节奏和空洞的歌词创作出令人禁不住被吸引的作品。自从歌词不再在是音乐增值的一个重要部分，它便很容易在非英语国家也能很快流行起来；歌曲可以很容易得在更多其它地区市场用本国语言录制避免了损失歌词的细微差别。即使ABBA在70年代成为了世界级的巨星，大部分Euro-Pop仍然仅限于欧洲大陆，特别是法国，意大利，荷兰和瑞典。在接下来的十年，瑞士生产了大多数的Euro-Pop碟但是在英语国家几乎没有销售市场，包括了在80年代的Army and Roxette，90年代的Ace of Base和Robyn。90年代的舞曲流行由像Take That, the Spice Girls和the Backstreet Bouys扮演了复兴的先头部队，他们都从Euro-Pop风格中吸取了很多声音方面的特点，当英语国家的乐手因为它易记的风格经常混合讽刺和大量废话而去模仿。[/color][/size]

[size=4][color=Green]具有该风格的乐队/艺人名单： [/color][/size]

[align=center][size=5][color=Purple]Abba [/color][/size][/align]
[align=center][attach]217132[/attach][/align]
[size=3][color=blue]         ABBA是瑞典的流行组合，成立于1973年。成员包括：比约恩·奥瓦尔斯（Bjorn Ulvaeus，1945年4月25日生于哥德堡）、本尼·安德森（Benny Andersson，1946年12月16日生于斯德哥尔摩）、阿格妮莎·福斯克格（Agnetha Faltskog，1950年4月5日生于乔克平）、安妮-弗瑞德·林斯塔德（Anni-Frid Lyngstad，1954年11月15日生于挪威的纳尔维克）。在成立乐队前，安妮和阿格妮莎已是瑞典颇有名气的独唱演员，比约恩属于Hootenanny演唱组，本尼是Hep Stars乐队的成员。后来，本尼和安妮、比约恩和阿格妮莎分别结成夫妻，并用每个人名字的第一个字母组成ABBA乐队...
这个70年代最成功的合唱组来自瑞典。最早应回溯到1966年，当时键盘手兼歌手的Benny Andersson与吉他手兼歌手的Bjorn Ulvaeus组成一个合唱小组。他们开始为Polar Music/Union Songs作曲写歌。这家公司是个出版公司，老板是Stig Andersson，他本人是个多产的词作家，在50年代和60年代十分有名。与此同时，Andersson和Ulvaeus正与他们各自的女友为一些计划而忙碌着：Ulvaeus与歌手Agnetha Faltskog合作演唱了一首后来成为全瑞典冠军的歌曲，"I Was So In Love"(我如此真爱着)，而Andersson和Anni-Frida Lyngstad开始约会。Lyngstad是个爵士歌手，在全国都十分有名。

　　后来，Andersson和Ulvaeus演唱了享誉国际的歌曲"People Need Love"(人们需要爱)，这首歌的背景声就是Faltskog和Lyngstad伴唱的。

　　"ABBA"一词是Stig Andersson提出的，该词代表了4个人的姓名的第一个字母。一曲"Waterloo"（滑铁卢）一曲赢得欧洲电视台大赛的奖励。之后，他们演唱了"S.O.S"，这支歌不仅在美国和英国等说英语的国家一炮打响，而且也在西班牙、德国等国赢得巨大成功，这是他们始料不及的。此外，他们还有"Lay All Your Love On Me"(把你的爱都放在我身上)、"The Winner Takes It All"(赢者称帝)，等等。这些歌有很多在80年代被引入我国，并被广为传唱。《五色谱》就是当时非常走红的磁带，而里面的歌曲大部分都是ABBA乐队的歌曲,重新填上词，唱遍大江南北。然后又有"Mamma Mia"（我的妈妈），"Fernando"(费尔南多)和"Dancing Queen"（舞皇后）。到了1976年，他们已经准备出"精选集"了。

　　1977年，ABBA合唱组新作"Rnowing Me,Know-ing You"（知我知你）和"The Name Of The Game"（游戏名称）占据了各大电台的音乐节目中。

　　1978年，Andersson与Lyngstad结婚，而Ulvaeus和Faltskog早于1971年就结婚了，但几个月后，就又分开了。事实上，ABBA合唱组所演唱的下一专集"Voulez Vous"（请）的歌曲主题中有很多都是描写爱情中的苦痛的。"Super Trouper"（超级巨星）于1980年发行之后，Andersson与Lyngstad也分道扬镳了。1982年，这个4人合唱组正式解散。[/color][/size]
[size=5][color=Red]推荐歌曲：[/color][/size][URL=http://www.lyaic.com/music/Dancing%20queen-Abba.mp3]dancing queen（点击下载）[/URL]

[size=5][color=red]60.Experimental(试验音乐)[/color][/size]
[size=3][color=blue]        是对任何推动现有的音乐边界线和流派定义的一种普遍的分类，像在摇滚，爵士，现代合成或其他的风格。当一个音乐家或作曲家接近一种全异风格的混合物或是合成非正统的，新的，明显独特的成分，这种音乐都可以被分类成试验音乐。[/color][/size]

[size=4][color=Green]具有该风格的乐队/艺人名单：[/color][/size]

[align=center][size=5][color=Purple]Current 93 [/color][/size][/align]
[align=center][attach]217139[/attach][/align]
[size=3][color=blue]        1981年，当黑暗民谣的起源乐队Death In June正要出版他们的《Heaven Street》这张专辑的前夕，作为开创者之一的David Tibet便离开了他们，组建了自己的乐队Current93。这支乐队成为了今后20多年最重要的一支黑暗民谣乐队。在很多乐评里会提到David Tibet受到东南亚和西藏密宗音乐的影响（david tibet出生于东南亚，而且对西藏非常着迷，看他自己改的名字就知道了）。这么说应该没错，不过如果把current93的音乐理解成那种加入了很多亚洲音乐元素的world music或者new age那就错了，那种影响应该说是气质上的，Current93的音乐风格虽然多变，但是内里的神秘主义和异教情结却是始终如一。

早期的Current93应该说是比较重型的乐队，尽管偶有一些比较简单的木吉他作品问世，但是总体上而言，工业噪音/金属/先锋电子等作品占了绝大多数。后期的Current93，也许是厌倦了喧嚣，大部分作品都抛弃了早年的狂躁风格，沉静内敛的作品越来越多，也越来越接近民谣的根源。难得的是在这些作品中竟很难寻到早年的那些音乐的痕迹。也许一些工噪迷会对此失望，不过于我而言，却非常喜欢他们这种轻型化的转变。

说到current93跟我的缘分，其实在我刚刚接触民谣的时候就已经听过，某前辈曾经很严肃的跟我说这是20世纪最棒的乐队，也许对那家伙来说确实是这样，就如同他认为烤馒头是世界上最伟大的食物一般毋庸置疑。

当时他十万分隆重的把current93推荐给我，可是，奈何明月照沟渠，我听了一会实在没法忍受那种半说话半唱歌的怪异唱法，又听说这个乐队很变态的出了近百张专辑/Ep/single，顿时觉得眼前发黑........便把这乐队放在一边。

再后来，某个变态竟然在我常逛的音乐论坛里提供了他们的全集（估计即使不是全集也差不多了...），本着宁可错杀1K不可放过一个的原则，花了好几天才把这些音乐拖到自己的硬盘上，从此，当我没什么新东西要听的时候，便翻出current93来听听。

current93不知道是精力过剩还是太过天才的缘故，作品的风格非常多变，传统民谣、neo-folk、试验电子、哥特、甚至金属都尝试过，像某前辈那样全都喜欢显然是不可能的，我仅仅喜欢他们作品里那些比较柔软安静的部分，不过尽管如此，也很多了（我的hddmp3里放了50多首选出来的自己比较喜欢的current93）

我喜欢的那部分current93非常适合在半梦半醒的时候听，听那家伙在你耳边低语，告诉你死后的世界会是怎么样，或者听他告诉你在某个地方有着那么安静吃草的漂亮小马，还有那些软软的闪着光的星星，还有关于宗教，关于这个世界实际上就是一首没有尽头的哀歌...

也许有些人会说这样的音乐有何意义呢？听current93你得到了什么？我觉得，current93跟爱伦坡的小说一样，充满着形式上的美感。如果你再追问我，让我说“鄂谢府崩溃记”这样的小说有何实际意义，那我也只好说，那根本什么意义都没有，我只是知道对某些人而言，这些无意义的事情对他们很重要就是了^^  [/color][/size]
[size=5][color=Red]推荐歌曲：[/color][/size][URL=http://www.noodlemantra.com/lj/soft_black_stars.mp3]soft black stars （点击下载）[/URL]

[size=5][color=red]61.Experimental Jungle（试验舞曲）[/color][/size]
[size=3][color=blue]        用贝斯鼓打乱拍子包装试验，明确的表示试验舞曲不是为舞池而创作的。主要来看，试验舞曲的编写者既不是倾向于avant-garde（Twisted Science, T.Power, Richard Thomas）也不是倾向于独立摇滚（Third Eye Foundation, Designer）。[/color][/size]

[size=4][color=Green]具有该风格的乐队/艺人名单： [/color][/size]

[align=center][size=5][color=Purple]Aphex Twin[/color][/size][/align]

[align=center][color=Red][size=5]见3楼[/size][/color][/align]

[size=5][color=red]62. Experimental Rock（试验摇滚） [/color][/size]
[size=3][color=blue]       正如名字所示，试验摇滚是在形式上推动了音乐，远离了以前传统流行的敏感性的一种音乐派别。代表性的，试验摇滚是与诗歌般的合唱音乐背道而驰的。因为所有的指向都是释放改革，不再遵循严格的规律，包括像即兴的表演，avant-garde的影响，不固定的使用乐器，简单的歌词（或更本没有歌词），奇怪的合成结构和旋律还有对商业诱惑的潜在拒绝这样区别性的特征。[/color][/size]

[size=4][color=Green]具有该风格的乐队/艺人名单： [/color][/size]

[align=center][size=5][color=Purple]Der Blutharsch [/color][/size][/align]
[align=center][attach]217653[/attach][/align]
[size=3][color=blue]       Der Blutharsch 意为“融在血里的雪”或“凝干的血迹”，这是瑞士古老传统里对14至15世纪左右的总是冲锋在最前沿击退敌人的最英勇的士兵称谓，相当于德语中的“志愿兵”。奥地利的DER BLUTHARSCH 乐队由 Albin Julius 独力创办，他是业已解散的 The Moon Lay HiddenBehind A Cloud 乐队的首脑。

令人恍惚地缥缈虚无，然而内中渗透着金属色彩的鼓击乐的凝重力量，交响乐序曲似的前启示录民谣和军乐色彩的后工业进行曲，血腥的音乐史诗，阿里乌斯英雄颂歌，勇敢的胜利者的合唱，老歌《莉莉·玛莲》的芬兰版本《丽莎·佩恩》仿佛记录片背景音乐，“到处是血腥，然而胜利了！”小号声拉开了一场音乐祭典的序幕，低音轰鸣营造着最黑暗的氛围，弦乐，定音鼓，天使的布道，戏剧化的幽闭恐怖症般的郁郁寡欢。彻底的绝望，不可救药。这些就是 DERBLUTHARSCH 的音乐动机。

有人在画面背后叙说着，死神在悄悄地飞翔盘旋，死亡是永恒的捆扰，它隐藏在万事万物的背后，包括你所思想和感受到的一切——冰冷的单音节和单调苍白的语言，慢镜头，回顾往昔的剪接片段。他心目中的看不见的、形象模糊的英雄总是年纪轻轻就已死去，他们在我们的记忆里将永远那么年轻。就是这样，Albin Julius 仿如欧洲编年史的戏剧性版本的记载者，他再现了鲜血四溅的神秘传说，人性历史上的刀光剑影和亘古生息，承受着来自内心深处的几近崩溃的极限……

在 The Moon Lay Hidden Behind A Cloud 乐队解散后，Albin Julius 将全副精力集中在 DER BLUTHARSCH 乐队上，同时他还经营着他的新唱片品牌——为实现他自己的梦想而临时成立的 WKN（Wir Kapitulieren Niemals：“我们永不放弃”）。

在 DER BLUTHARSCH 的作品中到处隐藏着暴力动机，它们仿佛是某种警示：暴力正从四面八方逼近并试图毁灭人们的生活……要在战争中挺住，同时要保持住捱过难关的意志……就好比使用了摄影中的黑白技术来加强细微的差别和对比，DER BLUTHARSCH 的作品给人以深刻的印象。为数不多的“彩色镜头”用于音乐中主人公叙述的背景。这样的构思反映出独特自创的美学观念，它可以蛰伏在每一抹阴影，每一帧画面，每一节声响，时而在少数特别的转折处引爆。就象某种精神病患者的舞蹈，Albin Julius 把舞姿控制在某种节奏中——人性的追求以及人在历史光芒中的天性。“我们祈求真理的光芒能照耀到我们所有人。”

“我想我对二战的兴趣在于它就发生在我们家门口——现在在我居住的地方还能碰到许多二战的幸存者。……我对欧洲历史很着迷——尤其是近代史——从20世纪初到二战结束，尤其是所有文化和社会的变化和体制的瓦解……”"

1998年春，应 Douglas Pearce 之邀，Albin Julius 参与了 DEATH IN JUNE 新专辑《Take Care & Control》的录制，由 Douglas 的 New European Recordings (NER)唱片品牌在澳洲的分部发行，之后他加入 Boyd Rice (NON)两人一起在欧洲西部和东部各国作首次短期巡演。后来他还和 DEATH IN JUNE、FIRE+ICE 乐队在欧洲各国巡回演出（DEATH IN JUNE 在瑞士遭到当地政府的禁演）。

Albin Julius 力图成为“奥地利新音乐圈”里最多产的独立音乐人。在历史的废墟中，他继续试图记载最富戏剧性、最神圣的片段，编写成他笔下那冷酷严峻的英雄史诗，并将他所处的时代一展无遗。 [/color][/size]
[size=5][color=Red]推荐歌曲：[/color][/size][URL=http://members.aon.at/wkn/sound/01_Der_Blutharsch.mp3]Der Blutharsch DB TPS（点击下载）[/URL]

[size=5][color=red]63.Experimental Techno（数码试验）[/color][/size]
[size=3][color=blue]       电子舞曲的领域可以为实验带来无限的发展空间，所以数码试验便有了一个类似的风格范围---从European Experimenters Oval, Panasonic敲打错误磁盘警告音和刮花磁盘的声音到Cristian Vogel, Neil Landstrumm和Si Begg失去平衡但是整齐向前的节奏。数码试验还可以包括恐怖的背景音乐，像Twisted Science, Nonplace Urban Field和Atom Heart; 如Alec Empire的数码时代朋克；和坚定地在新吉他下早前的工业，如Scorn, Download或是Techo Animal。任何想演奏电子舞曲的乐手从不会使它表现为试验，更好或更坏的是，它包括了很大的派别。 [/color][/size]　

[size=4][color=Green]具有该风格的乐队/艺人名单： [/color][/size]

[align=center][size=5][color=Purple]Alec Empire [/color][/size][/align]
[align=center][size=5][color=Red]见15楼[/color][/size][/align]

有点不忍心看下去了，想必LZ是PO的别人帖子，别再PO了 你分得音乐类型还有代表的乐队风格明显都是错的，都不match啊。。。请不要让别人误入歧、。。。

楼上的多去了解下再说 我看楼主发的基本都对的 而且我也去网上了解过楼主发的各个介绍
楼主发的比网上的还更加详细

这个贴太强了。一下子都给学了。谢搂住了。:s_8:

[size=5][color=red]64.Folk-Jazz（民谣爵士）[/color][/size]
[size=3][color=blue]        民谣爵士是被那些常独奏很强的民谣旋律的音乐家（开始于50年代）使用的。他们倾向于关注其他国家音乐的发展（如世界音乐），强调宁静的音量，破除在爵士和其他看似无关派别之间的分界线。民谣爵士的代表人物有Jimmy Giuffre, Tony Scott(post-1959), Paul Horn, Paul Winter和Oregon。民谣爵士对***潮有很直接的影响。[/color][/size]

[size=4][color=Green]具有该风格的乐队/艺人名单： [/color][/size]

[align=center][size=5][color=Purple]Joni Mitchell [/color][/size][/align]
[align=center][attach]217970[/attach][/align]
[size=3][color=blue]        Joni Mitchell是上个世纪最成功的女歌手之一，她的音乐影响了目前很多成功的歌手，在音乐风格方面不断创新的她，涉及民谣，摇滚，爵士等众多领域，并且她还是位出色的诗人，画家，1997年她入选了摇滚名人殿堂，滚石杂志，VH1等权威音乐评论对她都有很高的赞誉，但我认为她的音乐并不在于被别人评论的怎么样，她音乐的影响力在于她可以同时用娴熟的音乐技巧，过人的天分和丰富优雅的词作感动别人。

1943年11月7日出生在加拿大的阿尔伯塔的福克麦克劳德，原名Roberta Joan Anderson的Joni Mitchell在还很小的时候就同父母搬到了萨斯咯彻温省的北巴特福德,。在老朋友Frankie McKitrick启发下, 7岁的Joni请求家人让她学钢琴，这样的日子持续了一年半。在搬到萨斯卡通后她还开始了绘画。 9岁那年，Joni被诊断患有小儿麻痹，幸运的是在父母的关心爱护以及对艺术的追求下她康复了，但这后来还是对她的舞台表演起了很大的制约。七年级的时候，她的一位老师Kratzman先生鼓励她去创作歌词，这为老师成了众多影响她后来事业的人之一（还有Pete Seeger对她学习吉他起了很大帮助）。在她少女时期她就曾想方设法的省吃俭用来攒够一笔钱买一把ukele （因为那时侯吉他太贵了），她用它在派对和咖啡屋里表演。

在高中之后，也就是1964年，Joni进入在卡尔加里的阿尔伯塔艺术学院学习了一年。比起上学，她更喜欢在卡尔加里一个叫“沮丧”（The Depression）的咖啡屋作一名正式的表演者。为了追求音乐的理想她将她在绘画方面的爱好屏弃了，至少是作为一门职业。她搬到多伦多，梦想成为一名成功的民谣歌手。但是，60年代在多伦多的俱乐部里表演需要有工会会员证，她那时并不可能提供这个，于是她只能夜以继日的为Simpsons-Sears工作。 同时她也有了前男友的孩子，并在1965年2月生下一个女儿。

民谣歌手Chuck Mitchell并不介意，他同Joni相爱而且他们还结了婚，但对事业的野心以及Joni的年龄，他决定放弃收养Joni的女儿。1965年夏天Mitchell夫妇搬到底特律，这个全新的Joni Mitchell在1966年的Newport民谣节上表演了，但她同Chuck Mitchell的婚姻也走到了尽头，他们在1967年初分开了。再也没有了任何束缚，她去了纽约的切尔西，为的是在这块东海岸音乐集散地上寻找到更多成功的机会。她演唱了传奇般的Tom Rush的"The Urge For Going" 以及其他各种风格歌手的作品，最终得到很多的预约，来自从西芝加哥到东弗罗里达，在经纪人Elliot Roberts的帮助下她在纽约打开了小小的知名度。

在弗罗里达表演时Joni认识了David Crosby （The Byrds），他十分肯定她的才华并将她推荐给Reprise唱片，1968年Joni推出了首张同名专辑。 1968年其他的事还有她同 Graham Nash （The Hollies）在迈阿密流行音乐节上一起表演，Judy Collins演唱了她的"Both Sides Now" 并且成为经典...这也从一定程度上补充了Joni日益扩大的开支。

1969年Joni推出专辑'Clouds' ，里面有她亲自演绎写给其他歌手的几首作品，她还录制了一张现场专辑，虽然最终被废掉了。她同Graham Nash一起去了月桂峡谷，为Crosby, Stills & Nash巡演，那年夏天被还邀请到Woodstock表演 ，但由于随后将出现在电视节目Dick Cavett秀导致她不能冒这个险，因为很有可能被困在拥挤的交通里无法定期返回，作为替代，她在苏尔的Equinox音乐节上的表演被录制并得到发行，她还因这件事创作了具有讽刺意味的经典Woodstock。

'Clouds' 在1970年获得了格莱美奖， 对Joni接着发行的'Ladies Of The Canyon'最终卖到金唱片起了很大的帮助， 由于在怀特岛音乐节上的厄运和失败她决定休息一段时间，这一整年，她不断旅行，绘画并且进行她的下一张专辑Blue的创作。

Blue于1971年发行，成为评论和商业上都十分成功的典范，在Billboard排行榜前20名上停留过短暂时间。她回到了加拿大布列颠哥伦比亚，过着孤独，被森林覆盖着的生活。后来由于频繁的同朋友David Geffen互访与交流，Joni得以重新回到舞台，开始和像Geffen的唱片公司Asylum里拥有成功经历的Jackson Browne 这样的人一样，可以有自己的欧洲巡演，为有希望的总统George McGovern进行收益演出。

1972年她发行了'For The Roses'，她将爵士摇滚巧妙的融入她的音乐里，"You Turn Me On (I'm A Radio)"成为她的第一首电台热门曲目， 她这次真的取得了商业上的成功。但她不希望自己成为一个流行偶像，很快的她开始寻找能够帮助她的音乐更有水准而且更加个人化的音乐人。

于是她开始同Tom Scott以及LA Express合作她的下一张专辑 'Court And Spark' ，同时甚至还为他们的专辑录制了曲子。1974年1月'Court And Spark' 发行，专辑里的Free Man In Paris，Raised On Robbery，Help Me都成为了热门的单曲。她着手准备同LA Express的一个为期20天的巡演，这次巡演的内容也成为她11月发行的的现场专辑 'Miles Of Aisles'。现场版本的"Big Yellow Taxi" 被作为单曲发行，让Joni在排行榜上居高不下。她在加州贝尔艾尔买了一套新房，同LA Express的鼓手John Guerin 一同搬入，随后她获得了格莱美的4项提名。

1975年她重新召集'Court And Spark'的制作班底， 并在11月推出'The Hissing Of Summer Lawns'。虽然评论对Joni描写社会的歌词给予恶劣评价，仍然挡不住新专辑在Billboard排行第4的成绩。她非常希望能够加入Bob Dylan的'Rolling Thunder Revue来结束这年的工作，并且计划着一场与LA Express 再次合作的回归巡演。

巡演从1976年1月就开始了，她走遍了整个美国和加拿大。当巡演结束她同John Guerin分手，并开始花时间同Neil Young在一起。一些朋友确信她是去进行环绕整个国家的旅行，的确是的，而且她回来的时候是带了一整箱她下张专辑'Hejira'的曲谱，'Hejira'于76年夏天录制并在11月发行。11月Joni还在The Band'的"Last Waltz" 演唱会做嘉宾演出，为Martin Scorsese拍电影。同时，'Hejira' 在排行榜上攀升，在12月成为金唱片并在排行榜上一直久居到1977年初。

Joni不断发行着新的专辑：1977年的Don Juan's Reckless Daughter，1979年纪念爵士贝司手Charles Mingus的Mingus，接着她发行了她第二张现场精选1980年的Shadows and Light, 1982年她回到流行领域，发行了Wild Things Run Fast，这张专辑里的第一首单曲翻唱猫王Elvis Presley的经典作品 "(You're So Square) Baby I Don't Care" 成为她8年来头一支上榜单曲。

就在她专辑发行不久后，她同贝司手兼音效师Larry Klein，并同他维持了很长时间的婚姻，他也是Joni音乐上的帮手，包括1985年的Dog Eat Dog。Joni还涉足电子领域，但只到1988年Chalk Mark in a Rain Storm前，这张Chalk Mark in a Rain Storm的嘉宾创作有Peter Gabriel,，Willie Nelson，Tom Petty以及Billy Idol。

Joni在1991年的Night Ride Home里完全回归了她原本的感觉，虽然她一直在不断进行新的实验。在1994年发行Turbulent Indigo之前她同Klein分手了，但尽管如此他还是帮她制作了这张专辑，而它也成为她多年来最让人喝彩的作品。

1996年Joni汇编了她所有的上榜单曲，还有些她自己认为并没有受到充分赏识的作品，分为Hits和Misses两张分别发行， 而一张全新的录音室专辑Taming the Tiger也在1998年随后问世。值得一提的，是当年Chuck Mitchell不肯领养的那个女儿同Joni在1997年见面并相认了，她们现在关系很好。Both Sides Now作为一张水准一流的专辑在2000年初发行。

两年后，Joni带着双张精选Travelogue重新露面，她说这是她最后的一张专辑，2002年10月的她宣告她已经厌倦了唱片工业，她告诉W杂志她想隐退，她还声名她不会再同任何厂牌签约，并且她在滚石杂志里诅咒唱片工业为“一个化粪池” 。Travelogue发行一个月以后，Joni冷静下来，她的退出计划也被暂搁。

2003到现在，Joni还一直有作品问世，最新的作品是一张叫做Songs Of A Prairie Girl的精选专辑和一张由她的朋友们选出的他们最喜欢Joni的一些作品合辑，但不难看出的是，她的确再没有新的创作出炉了，看来我们只能等待她重新爱上音乐的那天，然而拥有诗人，画家，歌手多重身份的她，也许在其他的领域里找到了更多快乐。 [/color][/size]
[size=5][color=Red]推荐歌曲：[/color][/size][URL=http://www.avfriends.com/cgi-bin/technote/board/review2/upfile/Joni_Mitchell-Both_Sides_Now.mp3]Both Sides Now（点击下载）[/URL]

[size=5][color=red]65.Folk-Rock（民谣摇滚）[/color][/size]
[size=3][color=blue]        民谣摇滚吸取了民谣音乐简单直接的谱曲方式并且使它融合了突出的摇滚基调强节奏。其中最显著的民谣摇滚元素就是和谐明快的吉他演奏，结合了协调，清晰的嗓音。民谣摇滚在60年代中期被Byrds起了先驱作用，他们演奏Bob Dylan的歌曲就像他们是英国入侵一样。许多乐队跟随了The Byrds确定的风格。在60年代民谣摇滚风势下降的时候，更多的民谣摇滚乐队强调民谣最初的声学并且后退远离了the Byrds的明快电子风格。在接下来的30年，声学和电子民谣摇滚都是摇滚中的平凡事。  [/color][/size]

[size=4][color=Green]具有该风格的乐队/艺人名单： [/color][/size]

[align=center][size=5][color=Purple]Bob Dylan [/color][/size][/align]
[align=center][attach]217971[/attach][/align]
[size=3][color=blue]        鲍勃.迪伦是摇滚乐时代最有影响的歌手和歌曲创作者。1941年5月24日他生于明尼苏达州德卢斯城，本名罗伯特.艾伦.齐默尔曼（Robert Allan Zimmerman）。在希宾附近的高中上学时，他在一个摇滚乐队中进行了一段短暂的演出，然后到位于明尼阿波利斯的明尼苏达大学学习了1年。在那里，罗伯特.齐默尔曼改名为鲍勃.迪伦，他开始成名是在民歌界的圣地纽约格林尼治村。他决心成为一位“著名的民歌手”，并不顾他少年时期的许多其他音乐的影响，朝着这一方面扬起风帆。

1961年经验丰富的制作人约翰.哈蒙德（John Hammond）使他与Columbia公司签约，在他录制的最初几张唱片中，几乎没有表现出他对汉克.威廉斯（WILLIAMS，HANK）或查克.贝里（BERRY，CHUCK）的喜爱——尽管他偶尔也无意中像“埃弗利兄弟”（EVERLY BROTHERS，THE）那样即兴演唱。相反，迪伦的音乐在很大程度上属于民歌复兴的主流之音，而且优美动听，有时是那么光彩照人。他很快被公认为是青年词作家中[像菲尔.帕克斯顿（PAXTON，TOM）一样]最有才华的，他的歌曲成为参加民权和反战运动的白人学生的圣歌，有像《在风中飘荡》（Blowin’in the Wind）和《大雨将至》（A Hard Rain’s Gonna Fall）这样的抗议歌曲，有像传统的《科里纳，科里纳》（Corrina Corrina）和以传统为基础的《来自北部乡村的女孩》（Girl from the Country）这样的爱情歌曲，还有像唱法多种多样的《我将会自由》（I Shall Be Free）这样的滑稽歌曲。其曲调相对来说比较简单（通常取自传统民歌题材），而他的演唱技能（无论在演唱方面还是在吉他与打击乐的演奏方面）在民歌音乐界中来说是纯朴自然的，但他的影响却引人注目。迪伦正在创造一种调式，他所描绘的音乐方式不需要很复杂。他的歌喉、吉他演奏和有时不很完美的口琴声帮助确定音调，使其音乐从中得以展开并在国内引起轰动。在古巴导弹危机和核裁军运动的世界中没有什么比听迪伦演唱《战争的主人》（Masters of War）和《大雨将至》更令人振奋。

正是在这一时期（1961-1964），迪伦成为民歌界和激进分子的英雄，但在更为广大的流行音乐界中，他的歌曲却被认为不过是“最适于别人来翻唱”，其中以“彼得，保罗和玛丽”所翻唱的歌曲最为著名。由于两个原因，把这一切都改变了。第一个原因是他反复扮演的激进分子领袖的角色开始使他恼怒，这种恼怒表现在他的歌曲中，以第4张唱片《鲍勃.迪伦的另一面》（Another Side of Bob Dylan，1964）最为明显。在尚不成熟的歌曲《我的不太有价值的新闻》（My Back Pages）中迪伦对“人生是黑白相间的谎言”进行了谴责，并对其早期坚定的誓言评论说“那时我是多么的老，现在我比那时年轻了”。第二个也是更重要的原因是1963年和1964年期间英国流行音乐的革命。据报道，当迪伦第一次听到“动物”（ANIMALS）乐队演唱他的传统歌曲《旭日之家》（House of the Rising Sun）时，他“跳出汽车的座椅：，因为这望权是无礼的改编。这件事在他眼前战线了一个崭新的音乐世界，并使他认识到他同时表达对查克.贝里和伍迪.格思里（GUTHRIE，WOODY）的热爱是可能的。他的下一张唱片名为《席卷而归》（Bringing It Back Home），微妙地论及了英国艺人唤醒了他斤毫 对美国摇滚乐的兴趣的赞美。该唱片的一面录的却是摇滚乐歌曲，每隔一首歌曲录一段”滚石“（ROLLING STONES，THE）的即兴演唱。在唱片封套上他尖刻地写着：”我已放弃对尽善尽美的追求。“他的音乐欢快而无拘无束地跳跃，他演唱的由查克.贝里的《没完没了的恶作剧》（Too Much Monkey Business）直接派生的歌曲《隐秘的思乡病布鲁斯》（Subterranean Homesick Blues）轻而易举地获得成功。

迪伦在方向上的转变使他失去了一些从前的追随者，但不管怎样，该唱片还有另一面，其上收录了《手鼓手》（Mr.Tambourine Man）和几乎是政治性的歌曲《好极了，妈妈》（It’s All Right，Ma）。但是他在1965-1966年间举办的以他与保罗.巴特菲尔德（BUTTERFIELD，PAUL）布鲁斯乐队为首的在纽波特您民歌音乐节上的演出戏剧性地分裂了他的观众，而实际上迪伦正是由于违约才变成摇滚乐界崇拜的偶像。歌曲《像一块滚石》（Like a Rolling Stone，1965年名列排行榜第2）的成功足以弥补失去的纯粹民歌观众。这一时期的唱片《重访61号公路》（Highway 61 Rivisited）和双唱片《无数金发女郎》（Blonde on Blonde），代表着鲍勃.迪伦的录音生涯的顶峰。与他合作过的乐手阿尔.库珀（KOOPER，AL）、罗比.罗伯逊（Robbie Robertson）和纳什维尔的乐手如查利.麦科伊（Charlie McCoy）和肯尼.巴特里（Kenny Buttrey），是贯彻迪伦把多年吸收的各种风格融合在一起的想法的最佳人选。这些歌曲结构仍很简单，采用陈腐的反复乐句，但它们通常更长一些、更流畅一些。库珀那丰富的风琴乐音使《近似女王简》（Queen Jane Approximately）和《像一块滚石》等歌曲具有权威性效果，迪伦的抒情诗是至关重要的，虽然现在线条的连贯性已崩溃，但却有丰富的、无数的形象蜂拥而至。他们的景象是具有强大而特殊的梦想逻辑性的内心景象。有时[在歌曲《墓碑布鲁斯》（Tombstone Blues）、《荒凉的街道》（Desolation Row）中]它充满着有关联奇怪的历史人物，有时它们机具抒情性[表现在歌曲《约翰娜的景象》（Visions of Johanna）和12分钟《洛兰兹的忧伤眼睛的女人》（Sad Eyed Lady of the Lowlands）中]，使人看到一种把布鲁斯改变成乡村音乐的原型形象。迪伦滑稽而又面无表情的幽默感在《雨天的女人们》（Rainy Day Women）和《豹皮药盒帽》（Leopard Skin Pill Box Hat）中仍明显可见。

迪伦的个人生活方式在他所创作的歌曲的千变万化的无秩序中得到准确的反映。他似乎正驱使自己以惊人的步伐前进（在几个月的时间内发行了《重访61号公路》和《无数金发女郎》等共3张唱片）。“他将成为传奇人物”，皮特.西格（SEEGER，PETE）说，“如果他最终没有精神失常的话”。即将发生内向爆炸的感觉在他1966年与“鹰” [The Hawks，后来变成“乐队”（BAND，THE）]巡回演出时进行的精神发泄性演唱中特别强烈。

1966年8月迪伦的事业突然被一次摩托车祸中断，他有两年没有与公众见面，不过他的风采却无处不在，从每个主要商店的广告画到新闻界对他急切返回歌坛的不断传闻，非法销售的音乐会（如1965年在伦敦举国的著名的艾伯特大厅演出）唱片也很流行。他的沉默相反却促使他的艺术绝技有所发展，具有不同程度的轻信和明智的迪伦学家活跃起来。在1967年间迪伦与“乐队”（他1965-1966年与该乐队一起进行巡回演出）在伍德斯托克居住了一段时间，他的音乐在这种隐蔽的环境中继续发展。这一时期录制的唱片（这些唱片不久在非法交易中可以买到）被歪曲为可探查迪伦要成为新的摇滚乐歌王的想法。有些歌曲是令人狂笑的滑稽的酒后胡言，《让亨利夫人狂欢》（Please Mrs Henry）、《百万美元狂欢会》（Million Dollar Bash），但是那些较忧郁的歌曲决定了整体情绪是悔罪的、充满不详的预兆感。在歌曲《狂怒之泪》（Tears of Rage）和《太多微不足道的事》（Too Much of Nothing）中他似乎对他的过去感到罪责难逃，并对他所扮演的——公认的=不知不觉地——那些角色感到懊悔。在歌曲《我将得到解脱》（I Shall Be Released）和《着火的轮子》（Wheel’s on Fire）中似乎模模糊糊地、下意识地意识到一次迫近的、可能是迪伦演唱的所以歌曲中最有个性、最动人的。丝毫没有表现他以往出版的大多数作品中的乏味、毫无信心、也毫无骄傲之感。他以哀怨而又不加雕饰的声调演唱这些歌曲，偶尔还加入理查德.曼纽尔（Richard Manuel）的和声。迪伦与“乐队”在1967年演唱的所有歌曲被冠以《地下室磁带》（The Basement Tapes）之名非法销售，它是迪伦最有美感、最直截了当的唱片。如果说唱片《佩珀军士孤独心灵俱乐部乐队》（Sgt. Pepper）和《无数金发女郎》是对60年代新反主流文化的乐观主义之最好的庆祝，那么唱片《地下室磁带》则是对这种乐观主义的另一面的关键表达。在这一方面，它必定会被列为70年代非乌托邦式的探索流行语言的一系列主要唱片中的先驱。最后，这些唱片在录制完8年之后的1975年，在Columbia公司正式发行。

迪伦以1968年发行的唱片《约翰.韦斯利.哈丁》（John Wesley Harding）表明他对一般公众的新的态度。与复杂性（音乐的和抒情诗的）流行趋势形成鲜明对照，这些歌曲是直截了当的和简洁的，并且继续探索犯罪和自疑的主题。但是最后的两首歌《顺着小河湾走》（Down Along the Cove）和《今晚我将是你的宝贝》（I’ll Be Your Baby Tonight）趋向后来接着录制的两张乡村音乐唱片的那种柔美的音调，这两张唱片是《纳什维尔天空轮廓》（Mashville Skyline，1969）和《自画像》（Self Portrait，1970）。这些唱片给迪伦招致自1965年转向摇滚乐以来第一次真正的抨击。他被谴责倒退到乡村音乐的平淡和伤感之中，而收入其他民歌的双张唱片《自画像》则被说成不过是放纵自己。事实上，这也是早期音乐对迪伦存在影响的另一个例子：他与约翰尼.卡什（CASH，JOHNNY）的友谊可以追溯到60年代初期，约翰尼.卡什曾与他在唱片《纳什维尔天空轮廓》中合唱了一首《来自北部乡村的女孩》。这些唱片标志着摇滚乐与乡村音乐之间具有重要意义的重新融合的开始，因为许多人，从“飞鸟”（BYRDS，THE）乐队到琼.贝兹（BAEZ，JOAN）都跟随他在纳什维尔录制唱片。然而这些唱片是迪伦最后的一些具有先驱作用的唱片。在70年代，他对摇滚乐的发展小有作用，他的一些唱片冗长而且优劣不均。在唱片《新的早晨》（New Morning，1970）和《行星浪潮》（Planet Waves，1973）中他的发音常常是自然的、甚至是陈腐的，通常代表着远远摆脱早年那刺耳尖利的爱情歌曲传统的爱好家庭生活的角色。《帕特.加勒特与比利小子》（Pat Garrett and Billy the Kid，1973）是一张电影插曲唱片，其中包括一首经典歌曲《敲天堂之门》（Knocking on Heaven’s Door）。与70年代以往的唱片形成对照，唱片《路上的血迹》（Blood on the Tracks，1975）中包括令人痛苦的《愚蠢的风》（Idiot Wind），含义模糊的《莉莉，罗斯玛丽和杰克之心》（Lily，Rosemary，and the Jack of Hearts）和矫柔造作的《简单的命运扭曲》（A Simple Twist of Fate）等歌曲，由此可见迪伦正有意进行探索，在有关鲁本.卡特尔（Reuben Garter）被非法监禁的故事的歌曲《飓风》（Hurricane，1975）中也明显有类似的感觉。

迪伦仍受到他在前10年中所受到的注意。1971年他出版了一本片面的、超现实主义的小说《塔兰图拉》。他在萨姆.佩金帕的影片《帕特.加勒特》中扮演一个简短而突出的角色。他那为数不多的几次公开演出（为孟加拉国举办的音乐会、伍迪.格思里纪念活动）于是着对他1974年与“乐队”进行的美国巡回演出的响亮的回答。演出门票售出600万张，还录制了实况唱片《在洪水到来之前》（Before the Flood），从这张唱片可以看到迪伦和“乐队”都有效地回到他们早年最好时代。当迪伦与Columbia公司的合同期满时，他转到Asylum公司的英国公司Island。这张唱片和另一张唱片《行星浪潮》都是在Asylum公司录制出版的。与Columbia的关系一直是风波叠起的，特别在中止合同的两年和傲慢的克莱夫.戴维斯（Clive Davis）出任最高行政官以后。他试图把合作的音乐业务形象拟人化，而Asylum唱片公司的戴维.格芬则在艺人们的帮助下取得长足的进展。在这以后Columbia公司出版了有感染力的唱片《迪伦》（1974），这是一张只要迪伦歌迷才感兴趣的愤世嫉俗的选编唱片。结果，唱片《行星浪潮》与这张唱片相对较大的销售量在1974年致使迪伦与Columbia公司签订了又一个5年的合约。

70年代中期，迪伦在“滚雷”巡回演出（与琼.贝兹及其他人一起）中表现自己是同行中的音乐家。然而他被谣言和像A.J.韦伯曼（A.J.Weberman）这样的迪伦学家们的严密监视所纠缠，A.J.韦伯曼总是乐于接受对迪伦的私生活和亲以色列的同情感“揭露”的职责。他与妻子萨拉的关系并不是没有问题的，他们的关系正在恶化，即将利益的痛苦与绝望充满于唱片《路上的血迹》（1974）和《心愿》（Desire，1975）之中，后一张唱片中包含了几首与雅克.莱维（Jacques Levy）合作创作的歌曲。1977年迪伦与萨拉正式离婚。迪伦又投入到另一次“滚雷”乐队巡回演出中，并从中产生了一段长达4个小时的影片《雷纳多和克拉拉》（Renaldo and Clara），该影片中插入了一段由迪伦表演的半自传性的音乐会。1978年，即该影片上演的那一年，又发行了唱片《街头示威》（Street Legal），从这张唱片可以明显地听到迪伦正发生着宗教信仰的改变，那生动形象的描述和类似福音音乐的伴唱不久就使他着了迷。1979年迪伦声称自己是一个再生的基督教徒，宗教的主题是他后面4张唱片的核心，这4张唱片是《慢车开来》（Slow Train Coming，1979）、《得救》（Saved，1980）、《爱的爆发》（Shot of Love，1981）和《异教徒》（Infidels，1983）。1985年发行了《皇帝讽刺剧》（Empire Burlesque）和《烂醉如泥》（Knocked Out Loaded），后者是与剧作家萨姆.谢泼德和汤姆.佩蒂（PETTY，TOM）合作的。

1986年，迪伦又回来进行巡回演出。这回是与汤姆.佩蒂和为他伴奏的“伤心人”乐队一起，音乐厅和体育场中仍然人山人海。由丹尼尔.拉努瓦（Daniel Lanois）制作的怪异恐怖的《噢，天啦》（Oh Mercy）也成为迪伦成功专辑之一，由名为“永不停止的巡演”（Never Ending Tour）的巡演和1992年的专辑《像我一样对你好》（Good As I Been to You）中可以看出，迪伦的那种独特的木吉他家沙哑嗓音的民谣形式风格已日渐衰败。为庆祝迪伦50岁生日，CBS公司发行了令人注目的3张一套专辑《私录卡带系列》（The Bootlegs Series），收录了他1961-1991年的非法出版的歌曲。

然而，迪伦的影响力主要体现在60年代，如果没有迪伦，无疑摇滚乐将走一段弯路，将不会有“披头士”（BGEATLES，THE）的《佩珀军士》（Sgt.Pepper），不会有“滚石”（ROLLING STONES，THE）的《乞丐的宴会》（Beggar’s Banquet），也不会有“乐队”的《来自大平克的音乐》（Music form Big Pink），这就是他的影响程度。他对音乐的最主要的贡献，这点也影响了列农和麦卡特尼之后的很多歌手，那就是歌词的深刻寓意与音乐成为同等重要的一部分，从他一开始的抗议歌曲，就展示了他的歌词比他的音乐更浪漫、更激动人心。他对工业国家整个一代人的敏感性的形成起了很大的作用，他的音乐对理解和分析60年代是至关重要的.[/color][/size]
[size=5][color=Red]推荐歌曲：[/color][/size][URL=http://www.godoggoband.com/mp3s/dfest/Things%20Have%20Changed.mp3]things have changed（点击下载）[/URL]

[size=5][color=red]66.Funk Metal（疯克金属）[/color][/size]
[size=3][color=blue]        疯克金属延续了重金属演奏的高声吉他和即兴重复段并且使它们融合了流行的贝斯旋律和疯克的切分节奏。疯克金属在80年代中期开始发展当像the Red Hot Chili Peppers和Fishbone 的另类乐队开始演奏比金属更强节奏的疯克旋律。那些乐队沿袭了比疯克更多的金属特征，尽管他们保留了狂热的贝斯路线。如重金属，这个流派开始展现乐器的威力。[/color][/size]

[size=4][color=Green]具有该风格的乐队/艺人名单： [/color][/size]

[align=center][size=5][color=Purple]311[/color][/size][/align]
[align=center][attach]217988[/attach][/align]
[size=3][color=blue][align=center]乐队成员：S.A. Martinez（主唱），Nicholas Hexum（主唱/吉他手），Tim Mahoney（吉他手），P-Nut（贝斯手），Chad Sexton（鼓手）[/align]
311的五名成员都是成长于70年代内布拉斯加州的Omaha，Nick Hexum,Tim Mahoney和Chad Sexton都住在小镇的西面，都在Westside高中读书。P-Nut和SA Martinez住在小镇的南面，是在Bryan高中里的同学。高中里Nick和Tim一起组了摇滚乐队叫“The Ed's”。Nick还和Chad一起参加了学校的爵士乐队。17岁时，Nick早早地就从学校毕业了，为了追求自己的音乐事业搬到了洛杉矶市中心。当Chad和Tim从学校毕业后他也回到了Omaha——音乐总能把这三个人牢牢聚合在一起。之后他们很快找来了一个键盘手名叫Ward Bones并成立了“Unity”乐队。1988年末Nick,Chad和Ward一起去了洛杉矶，他们很快得到了唱片公司的录音合同，并借此人气一度彪升。 但对洛杉矶的音乐情势有了更加深刻的认识之后，Chad回到了Omaha，与P-Nut以及一个叫Jim Watson的吉他手组了乐队。几个月后Chad成功说服了Nick回到他们的家乡并一起加入这个乐队。他们在1990年6月10日为Fugazi开幕做了乐队历史上第一的小型表演。

1991年他们与Jim Watson分道扬镳，并加入Tim Mahoney作为领衔吉他。在那个时候，SA Martinez开始为乐队的表演做客串——并最终作为一员正式加入乐队。由此311正式成立——Nick,Chad,Tim,P-Nut和SA。

在1990和1991年，乐队以他们自己的厂牌（What Have You Records）各发行了三张唱片——它们分别是“Dammit”，“Hydroponic”和“Unity”。凭借着这些唱片和乐队固定的演出，311随即在中西部云迅速建立起了名声，并把影响力逐渐向西海岸延伸。
之后乐队在加利福尼亚州的Van Nuys租下了一间小房子，并全部搬了过去。那段日子对于乐队来说极其拮据，就当乐队眼看要由于经济问题而解散时，Capricorn唱片公司找到了他们并签下了乐队。

311的第一张唱片“Music”在93年默默无闻地发行了。正当乐队准备开始出发去宣传唱片时，却由于他们的一部演出车辆在高速公路上起了火而不得不暂时放弃。大火烧毁了他们所有的道具，服装，钱财和个人物品。尽管什么东西都没有了——乐队却侥幸逃脱了火海，没有造成很大的烧伤。他们决定坚持下去，之后借助由电视新闻上得知这场灾难的乐迷和朋友纷纷的捐助演出设备，311因此只取消了一场演出并最终完成了这场巡演。
94年7月他们发行了乐队的第二张专辑“Grassroots”。那个时候他们也着手开始在全美范围内举行一场声势浩大的巡演。乐队也从Van Nuys的房子搬出，把他们的东西放在了一个仓库里，并在演出途中四海为家。乐队把他们所有的精力都放到了现场演出中去，并最终在全国范围内建立起了稳固而持久的声誉。

95年6月乐队又发行了他们的第三张专辑“311”并再一次起程做巡回演出。到1996年乐队的表演次数以及歌迷的数量都在稳步上升——自从这时起大众媒体不再有意回避311，并开始更多地关心起他们来。在96年的九月（发行了“311”后的第14个月），单曲“Down”在电台中一举挤身排行金曲行列，从此从电台到MTV的流行榜单中都少不了这首歌曲。“Down”最终在Billboard的现代摇滚排行中登上冠军宝座，第二名也为他们的单曲“All Mixed Up”所占据。

专辑“311”获得成功之后（现在已有三百万张的销量），311发行了一张名叫“Enlarged to Show Detail”录象，其中包括乐队的现场演出镜头，采访，MV，后台花絮等等。为了突出这张录象的独一无二，乐队在录象中加入了一张5首的“311”里的编辑单曲碟。这张录象在Billboard的音乐录影带销量榜上一度排行第一，现在已取得100万张的业绩了。

经过这张录影带的发行，311回到了录音棚录制他们的第四张专辑“Transistor”。这张专辑在Billboard前200名专辑中曾有排行第四的佳绩，现在销量已突破100万张。为了宣传这张专辑，311在1997年的巡回演出成为了亿万歌迷的聚焦点，在美国平均每场有10000人的规模。乐队在欧洲、英国、澳大利亚、新西兰和日本也举行了一系列的巡回演出。

1998年9月，311新发行了一张EP“Omaha Session”，其中包括许多老歌。这张EP一共有9首歌，都摘自乐队1989年到1991年独立发行的几张专辑——“Dammit”，“Hydroponic”和“Unity”。这张专辑仍以乐队从前的品牌“What Have You Records”发行，现在只有通过311的官方网站以及311邮寄物列表才能收到。

1998年11月，311发行了311现场版唱片——收录着许多乐队1997年全美巡演的一些录音资料。1999年10月，311发行了他们的第五张专辑“Soundsystem”，发行之后排行一下穿升至第9，乐队在美国和日本广泛举行了乐队演出。

2000年乐队在North Hollywood买下了一家录音棚。翻新后搬入了乐队自己的设备，并把这间录音棚更名为“The Hive”（这也是他们歌迷俱乐部的名字）。这间录音棚曾在70和80年代相当出名，Missing Persons和Adam Ant都在这里灌过唱片，最近还被用来做过电影配音。

现在乐队正在自己的录音棚里，由Ron Saint Germain做为制作人，做311的第六张专辑，Ron曾是乐队那张取得过300万销量同名唱片的制作人。他和Creed,Tool,Soundgarden以及Bad Brains也有过合作。这张专辑最后名为“Soundsystem”于2001年春发行。最近在2002年夏天，乐队发行了最新的专辑——由Volcano发行的“From Chaos”。

“当我们刚一开始建队的时候，我们总是相信并确定，一定会有好事情发生的。”鼓手Chad Sexton说，“因此我们从此一直保持向上发展的良好势头。”[/color][/size]
[size=5][color=Red]推荐歌曲：[/color][/size][URL=http://www.bboybunker.com/user_music/I/2005/01/01/328.mp3]Come Original（点击下载）[/URL]

实在感叹楼主的知识。但是我想问下，Bon Jovi和Linking park是属于什么类型的呢？

Linkin Park
并没有相对固定的流派，而是融合了说唱、重金属、嘻哈乐以及电子舞曲等多种风格。
Bon Jovi
Album Rock（专辑摇滚）
Arena Rock（舞台摇滚）
Hair Metal（微金属）
Hard Rock（硬摇滚）
Heavy Metal（重金属）
Pop/Rock（流行/摇滚）
Pop-Metal（流行金属）
其实去百度上搜下就有了  介绍我也是网上找来的 只是把他拼到一起更加全面详细化 网上的只介绍风格 我们大家一同学习:loveliness:

好全面的扫盲帖，赞一下楼主，无论是原创还是半po的，能收集如此全面的帖子，我还是第一次见着，3q！对某个楼的朋友说一下，喜欢欧美音乐多年，楼主的风格分类和代表乐队差不多都是对的，请不要没有理由的乱说，如果有错误的你可以具体指出，打造一个完美的sis音乐版经典的扫盲帖，何乐而不为呢！
另：请问下楼主，更新什么时候完毕，好收藏：）

[[i] 本帖最后由 testbug 于 2007-8-10 17:41 编辑 [/i]]

这个很难说 不过我会尽快完成滴 谢谢大家滴支持 如果有什么错误请大家提醒我:loveliness:

[size=5][color=red]67.Funky Breaks（骤停打击乐）[/color][/size]
[size=3][color=blue]        将hip-hop和jungle合成在一起展现出恍惚的感觉，骤停打击乐因其为90年代后期想要给流行乐坛和商业广告一些噪音干扰的人们提供了一种声音从而成为电子音乐中最流行的乐曲。由于有像the Chemical Brothers, James Lavelles和Mo Wax Records这些伟大的先驱，骤停打击乐才真正超越其他在1997年站在了音乐的前端，有资历的音乐界专家的预言将最终在主流音乐中削弱新电子音乐的力量。几乎所有被挑选出来当这个革命先锋的乐队，the Prodigy, Death in Vegas, the Crystal Method, Propellerheads都有那种声音风格。自从对所有类似的声音进行高度的吹捧后，这便成了一个关于电子革命失败的重大原因，至少是商业上的。 [/color][/size]

[size=4][color=Green]具有该风格的乐队/艺人名单： [/color][/size]


[align=center][size=5][color=Purple]Howie B [/color][/size][/align]
[align=center][attach]218527[/attach][/align]
[size=3][color=blue]        唱片骑师（DJ）、制作人、音乐厂牌老板、乐手、潮流领军者、多变的后朋克主义者、Bjork的绯闻男友，如此众多的头衔集于一身，我们该如何界定他的身份？Howie B自己说：我把自己看作是一个热爱音乐的人。

以伦敦为基地的Howie B可以说是国际跳舞、电子、流行音乐界一个绝不能缺少的名字。这个于伦敦第一大俱乐部Fabirc的驻场DJ，即既是唱片监制，又是混音师……所有跟音乐相关的身份都几乎给他一网打尽！在九十年代欧洲那场电音Breakbeat革命中，他和DJ Shadow、U.N.K.L.E、Portishead、Cold Cut一同成功抢滩，活跃于英国节奏音乐复兴的第一线。Howie B曾主导的音乐制作多如繁星，合作伙伴大多如雷贯耳，代表作包括曾为U2、Bjork、Tricky、等监制大碟，Massive Attack、New Order、Major force、Placebo等多得不能历数的Remix；个人专集有《Music For Babies》、《Turn the Dark Off》、《Snatch》、《Folk》以及刚于十月推出的全新Project《Mayonnasie》；DJ-Mix专集则有《Fabric Life 05》和《Another Late Night》。

作为专门为世界级音乐家制作音乐的超级制作人Howie B，他的神奇智慧在于多种音乐元素的混合，从灵歌、Hip-hop、House、Jazz甚至Funk，都可以被他在头脑与手指间玩弄。比如他的两张代表性专辑2002年的《Fabric Live 05》和2001年的《Another Late Nite》，前者非常符合Club文化的特征，而后者则融合了像Funk，Soul等多种黑人音乐元素元素。很难让人相信这两张专辑都是出自同一人之手。Howie B一直在寻找缝隙，或者说是不同音乐类型之间的跨界磨合形式。而这个目的也造就了无数个他音乐带给我们的惊喜！

除了录音室工作外，热爱打碟的Howie B更是不停地在世界各地献技！这个夏天便刚于欧洲大型音乐节-Exit festival演出。作为DJ，Howie B并不想成为传统俱乐部里的那种对拍子的混音高手，他在接歌时更在意的是如何制造下一个惊喜，重要的是知道如何调整舞者的情绪，因此音乐的编排尤为关键！如今Howie B的DJ-set风格虽是以Breakbeat为主导，但拥有敏锐音乐触觉和复杂音乐品位的他每次都能将Electro、Funky jazz、2-Step、Hip-hop、Reggage等其他音乐元素巧妙地混合！DJ对他来说，绝对是用电音节拍亲吻热爱音乐的年轻人，是充满表达欲望的精神体验！[/color][/size]
[size=5][color=Red]推荐歌曲：[/color][/size][URL=http://www.tingqu.net/yinyue100/allmusic/welcome/06818c/1834349537.wma]Gallway（点击下载）[/URL]